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Por Cecilia Bembibre  Hace casi cuarenta años, en
una noche que no olvidará, Yoko Ono llegó, vestida de negro y en silencio, hasta una
silla ubicada en el medio de una escena deliberadamente despojada. Se sentó, y dio
principio a un concierto de gritos, gemidos, llantos y jadeos ensayados. La escuchaba un
auditorio contagiado de incomodidad y fascinación, que incluía a algunos nombres clave
de la vanguardia neoyorquina de los años sesenta. Eran sus primeras performances, cuando
organizaba eventos a los que asistían Andy Warhol, John Cage y Nam June Paik. Recién
había conocido a John Lennon en los pasillos de una galería londinense, en un episodio
de mutua fascinación que es parte del capítulo central de la historia del final de Los
Beatles. A los 64 años, Ono provoca desde formas más voluminosas. Por ejemplo,
presentando una instalación de cien ataúdes de distintos tamaños distribuidos en un
espacio luminoso, bajo el nombre de Ex It. En cada féretro, donde debería verse la cara
del muerto crece un árbol joven. Esta muestra se verá entre el 15 de octubre y el 15 de
noviembre, en el Museo de Arte Moderno, cuando la artista llegue por primera vez a Buenos
Aires. Pero Ex It es la exhibición que funciona como clausura. El camino comienza con En
Trance (el mismo mes en el Centro Cultural Recoleta), una composición de cinco
instalaciones en las que los asistentes son invitados a participar en la obra (ver
aparte). Los nombres elegidos para representar su más reciente trabajo son, en inglés,
las palabras que nombran el principio y el fin de un recorrido (entrance y exit). El
deliberado quiebre que Ono impuso a los términos sugieren interpretaciones menos
literales: en trance como "estado propio de la meditación" y ex it para
designar "aquello que ha dejado de ser", según propone el curador de la
muestra, Pablo J. Rico.
La mujer de la cual Lennon aseguró haber aprendido todo fue una de los fundadores del grupo experimental Fluxus, desde el cual se gestaron algunas ideas decisivas del arte conceptual de los '60. Incorporando la metodología zen, la obra de Ono se bifurca en un abanico de lenguajes y tonos. Música, cine, performances, teatro, son caminos válidos para explorar, experimentar y provocar, siempre con un estilo despojado, minimalista, y enfatizando la participación como el medio de completar la tarea del artista. En 1967, cuando Ono decidió hacer pública su oposición a la guerra, envolvió un león de la Trafalgar Square en metros y metros de género blanco. Cinco años antes se había metido en una bolsa con Anthony Cox, su segundo marido, y se desvistieron y volvieron a vestir dentro de ella, frente a un auditorio que no veía más que un bulto de tela sobre el escenario, en mutación constante. Con el primero, el compositor japonés Toschi Ichianagi, había intentado traducir sus pulsiones al mundo sonoro. "Enciende un fósforo, y contémplalo hasta que se consuma." La instrucción corresponde a Lighting Piece, 1955, y es uno de los primeros trabajos de la artista japonesa. Sus Instruction Paintings (Pinturas con instrucciones) son breves poesías que organizan un ritual para que el público siga. Desde el escueto mandato "Hierve agua", para crear la Disappearing Piece (Pieza que desaparece); hasta el extremista "Usa tu sangre para pintar./Sigue pintando hasta desmayarte (a)./Sigue pintando hasta que mueras (b)", para Blood Piece (Pieza de sangre), los filosos versos que Ono escribe a mano con letra microscópica sobre las paredes revelan las obsesiones de alguien que siempre fue mucho más que la mujer de un beatle.
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