MONICA VAN ASPEREN EN EL ICI
Los aires que toman cuerpo

Una artista que partió del diseño y la indumentaria, llegó al arte a secas con un lenguaje propio y muy formalizado.

Por Fabián Lebenglik

  ”Globos que se estiran tratando de alcanzar otros espacios tiñen la piel o copian la pared. Se disuelven las acciones en el tiempo, o el cuerpo es sepultado en la acción”, escribe Mónica van Asperen para describir y explicar su muestra. Y queda resonando el final, como eco dramático de una batalla: “El cuerpo es sepultado en la acción”.
La artista presenta dos clases de obras complementarias. Por una parte, una larga serie de fotografías de varias dimensiones (que incluye una subserie de fotos Polaroid) y por la otra una serie, más breve, de cuadros/objeto. En ambas secuencias los globos son el material central; al que se le suma, en las fotos, el otro material, el cuerpo “sepultado” por globos, en la dinámica de la acción.
Mónica van Asperen nació en Buenos Aires en 1962. Se graduó como diseñadora gráfica en la Universidad de Buenos Aires y fue docente en materias relacionadas con el diseño de indumentaria y la comunicación. Hace dos años obtuvo la beca de Arte y Diseño de Copenhague y la Beca Kuitca de perfeccionamiento. Participó de varias muestras de diseño joven y presentó exposiciones individuales en el CAYC (1992) y en la Alianza Francesa (1998). Integró muestras colectivas como “Moda al margen” (ICI, 1992), “Del borde” (Fundación Banco Patricios, 1993), y grupales, como “Obras” (Centro Borges, 1999) y, el mes pasado, “Bocetos”, en el British Art Centre.
La muestra que presenta en estos días en el ICI impacta, en principio, por las cualidades, tensiones y contrastes formales. La formulación y formalización de la muestra exhiben claramente un lenguaje propio, que tiene como punto de partida el diseño. A partir de allí surgen una morfología y una sintaxis. Pero Van Asperen no se detiene en ese punto: toda la carga obsesiva puesta en la el cuidado del detalle y la construcción del trabajo se carga de sentido.
Los cuadros/objeto –que pueden tomarse también, casi por definición, como instalaciones– se componen de tres elementos: una zona de la pared pintada como fondo, un conjunto de globos inflados y tensados, y grandes agujas de tejer clavadas en la pared, a través de las cuales se sostiene y enhebra el caucho de los globos. El resultado es un dispositivo visual, rítmico y colorido que, a modo de partitura, compone un juego de colores, brillos, opacidades y sombras... Lo primero que se ve es el cambio de función de los globos, del cotillón al lenguaje puramente formal y artístico. Despojar de su sentido y función previos un elemento tan fuertemente significativo no es un detalle menor. Los globos estirados y segmentados a diferentes distancias y alturas proponen una lengua secreta, escrita y silenciosa –música, escritura y silencio son tres cualidades que se desprenden directamente de estas obras– que se va modificando a lo largo de la exposición. La luz de los focos, la pérdida gradual de aire, la temperatura de la sala, la enorme tensión que doblega las agujas y el paso del tiempo van transformando sutilmente estas obras efímeras que oscilan entre la tensión y el humor.
La obra más explícita de este grupo, en cuanto a las intenciones de la artista, es aquella en que utiliza globos transparentes. Allí, la relación entre contenido y continente se muestra desnuda y el aire se vuelve denso y blanquecino. El aire es lo que se manipula y, encerrado artificialmente, proyecta sombras sobre la pared. Entonces el aire toma cuerpo y esta obra conecta directamente con la de las fotos: los globos de colores que envuelven los cuerpos no son otra cosa que columnas de aire salido de los pulmones: los cuerpos están rodeados y vestidos con un largo soplo, también corporal.
Esta acción que “sepulta” es la que introduce diversas tensiones y sensaciones: del ascetismo a la sensualidad y de allí al pudor. Los diferentes cuerpos cubiertos por los globos se muestran,fragmentariamente, en sus diferencias: texturas, colores, pecas, edades, sexos y de allí a las partes: boca, pecho, cadera, ojo, pelo, abdomen, brazo, mano. Son cuerpos que posan, detenidos en su “inercia natural” (como define Van Asperen). Aquí hay otro cambio de función: la acción tiene reminiscencias de un desfile de modelos. Y se transforma en una versión crítica y analítica de una producción de modas. El diseño y la indumentaria, que están en la raíz de la formación de la artista, en esta obra se vuelven extraños, primitivos y elementales. La acción desata reflexión.
En la pequeña serie de fotos Polaroid, el cotillón es reemplazado: lo que rodea los cuerpos en esta secuencia es una línea de lamparitas navideñas intermitentes. Las luces así pegadas al cuerpo parecen provenir de las propias anatomías. La confusión premeditada y los claroscuros (o el exceso de luz, según el caso) introducen un componente decididamente sensual, que en las fotos de gran tamaño está elidido.
A medida que se avanza en la exposición, las superficies de los paneles fotográficos se hacen más brillantes y espejados. Entonces el espectador, que hasta ese momento ponía sólo su propio globo ocular en funciones, se ve reflejado a sí mismo: allí hay un inicio de interacción y una clase diferente de utilización del espacio, que parece ser el principio de un nuevo capítulo en el desarrollo de la inquietante globalización del trabajo de Van Asperen. (En el ICI, Florida 943, hasta el 6 de octubre.)

PREMIO HEBRAICA 2000 DE PINTURA
Para pintores jóvenes

Entre los múltiples premios de pintura que se llevan a cabo en Buenos Aires a lo largo del año, la Sociedad Hebraica Argentina organiza el Premio Estímulo para pintores jóvenes, destinado a artistas plásticos de todo el país, hasta 35 años cumplidos, como máximo, el 30 de octubre de 2000.
El primer premio consiste en $ 2500 y una exposición individual con fecha a convenir, en la Galería Arcimboldo, de Pelusa Borthwick, en Reconquista al 700. El segundo premio ofrece $ 1500 y una exposición individual, con fecha a convenir, en la galería Adriana Budich (en la Avenida Coronel Díaz, frente al Shopping Alto Palermo).
Las obras premiadas y seleccionadas serán exhibidas en la Sociedad Hebraica durante el mes de noviembre del corriente año y en Salas Nacionales de Cultura (Posadas 1725) durante el año 2001.
El jurado de selección y premiación estará integrado por pintores, críticos de arte, un representante de Hebraica y el director del Palais de Glace: Juan Doffo, Diana Dowek, Fermín Fevre, Osvaldo Mastromauro, Moisés Nusimovich y Julio Sapollnik.
La recepción de las obras se hará entre el 23 y el 27 de octubre próximo en la sede de Hebraica, Sarmiento 2233, en el horario de 14 a 20 hs. Para mayor información las bases pueden retirarse en el Departamento de Cultura de la Institución, de lunes a viernes de 14 a 20.

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