Por Luciano Monteagudo

Fue más que significativo. Habían pasado casi tres horas y media de show, el empate entre Gladiador, El tigre y el dragón y Traffic hasta entonces era absoluto –con cuatro estatuillas cada una– y sólo faltaba dirimir el Oscar a la mejor película. Aun así, y a pesar del esfuerzo en resaltar el momento que ponían los animadores locales (ver aparte), el suspenso y la expectativa previa casi no parecían existir en el Shrine Auditorium, como si desde el animador Steve Martin hasta la alicaída platea a nadie le importara demasiado lo que sucediera este año con los resultados de la Academia de Hollywood. El frígido, indiferente recibimiento que tuvo el anuncio del triunfo final de Gladiador pareció confirmar lo que hasta entonces ya se sabía desde mediados del año pasado: la temporada 2000 fue una de las más mediocres que recuerde Hollywood en mucho tiempo.
El hecho de que fuera Gladiador al fin la película ganadora del gran premio de la noche puso las cosas en su lugar, como si el consenso de los casi 6000 socios de la Academia hubiera sido no sacar los pies del plato. ¿O es que acaso esos mismos miembros de la industria hubieran permitido que una película de artes marciales, realizada íntegramente fuera de Hollywood, y hablada en mandarín, se llevara la mayoría de los lauros -estuvo cerca– y dejara completamente al descubierto la crisis creativa que viven los grandes estudios? El tigre y el dragón debió conformarse con el lugar que ya le estaba reservado, el Oscar al mejor film extranjero, más otras tres estatuillas por rubros técnicos: fotografía, banda de sonido y dirección artística.
Por otra parte, Gladiador viene a confirmar también los tiempos que corren, el Zeitgeist que refleja Hollywood, como un espejo. Celebración primaria de un héroe de una masculinidad elemental, glorificación de un guerrero que pone por encima de cualquier valor la tradición, la familia y la propiedad (en esto no difiere demasiado de otros héroes ganadores del Oscar, como el William Wallace de Corazón valiente), Gladiador es también un film que mira hacia el pasado, y no precisamente porque transcurra en tiempos del Imperio Romano. Es como si Hollywood hubiera entrado en el túnel del tiempo y regresara, de manera devaluada, a las viejas glorias de Ben Hur (1959), de la misma manera que la imagen de George Bush Jr. en la Casa Blanca parece una caricatura de la belicosa presidencia de su padre.
La actitud de Russell “Maximus” Crowe –que se llevó finalmente el Oscar al mejor actor, por encima de las posibilidades que tenían Tom Hanks y Javier Bardem– estuvo, a su vez, a tono con la ceremonia: su visible irritación y malhumor parecían reflejar una incomodidad general que ni siquiera los buenos oficios del comediante Steve Martin (limitado por un libreto sin los destellos de otros años) pudo disipar. Mientras se sucedían los premios a los documentales y los cortos, o los galardones técnicos que iba acumulando Gladiador –mejor vestuario, sonido, efectos visuales–, se extrañaba la presencia en la platea de figuras como Jack Nicholson, que siempre sabe darle a la reunión una cuota de humor y crudo cinismo, que esta vez estuvo definitivamente ausente. Su amigo Danny DeVito lo quiso reemplazar, calzándose unos exagerados anteojos negros durante toda la noche y haciendo sonrisas socarronas, pero él también pareció una mala copia del original.
El caso Traffic tiene sus particularidades. En primer lugar, obtuvo cuatro de las cinco estatuillas a las que aspiraba (Gladiador ganó cinco de doce y El tigre... cuatro de diez), lo que no es poco y menos si se tiene en cuenta que entre ellos cosechó los Oscar al mejor guión adaptado y mejor director. La estatuilla al libretista Stephen Gaghan parece premiar el esfuerzo del film por pretender una aproximación seria al tema de la droga, pero termina sobre todo celebrando el moralismo de una película tan reaccionaria como Gladiador. El Oscar a Steven Soderbergh, por su parte, viene a consagrar a un director que, habiendo empezado comoun adalid del cine independiente, se ha revelado como uno de los servidores más versátiles que actualmente tiene la gran industria de Hollywood, como lo prueba la doble candidatura en su rubro, en el que participaba también a través de Erin Brockovich. De hecho, Soderbergh estableció anoche un nuevo record para la Academia. El único caso anterior equivalente al suyo había sucedido en 1938, cuando el prolífico artesano de la Warner Michael Curtiz compitió por partida doble con Angeles con cara sucia y Cuatro hijas. Pero en aquella oportunidad, el ganador fue otro: Frank Capra, por Vive como quieras. “Dedico mi premio a todos los creadores, en cualquiera de las disciplinas, estén donde estén”, se envaneció Soderbergh durante su breve pero presuntuoso discurso de agradecimiento. “El mundo sería inhabitable sin el arte”, sentenció finalmente, dando por sentado que él es un artista y que con su cine contribuye a una vida mejor.
Otra que agradeció a escala planetaria fue Julia Roberts, cuando subió al escenario a recibir su Oscar a la mejor actriz, el único premio que no tenía apuestas en contra en las mesas de juego de Las Vegas. Después de agradecer a sus competidoras de rubro –que no tenían chance alguna–, a sus compañeros de elenco, a su familia y a todo aquel que se le apareciera por la cabeza (en un monólogo que excedió en mucho los 45 segundos estipulados por los organizadores), la mujer bonita lanzó una risa histérica y gritó: “Amo al mundo”.
¿Sorpresas? Muy pocas. La más destacable, quizás, el Oscar a Cameron Crowe por su guión original de Casi famosos, en un rubro en el que la corrección política y la demagogia de Erin Brockovich y Billy Elliot convertían a estos títulos en rivales serios. Desde Australia, en conexión vía satélite, Bob Dylan declaró sentirse sorprendido por su Oscar a la mejor canción (“Things have changed”, de Fin de semana de locos) y agradeció el coraje de los miembros de la Academia que votaron un tema no precisamente complaciente. Pero la mirada desconfiada con la que desde la inmensa pantalla del Shrine Auditorium miraba a la platea parecía recordar aquella vieja broma de Groucho Marx: “No quisiera pertenecer a un club que me acepte como socio”.
Hablando de clubes y socios, los pocos momentos de la ceremonia que parecieron tener algún contenido fueron aquellos dedicados a homenajear a tres miembros vitalicios de la Academia, el virtuoso fotógrafo Jack Cardiff, el infatigable productor Dino De Laurentiis y el olvidado guionista Ernest Lehman, quien señaló el anonimato que tantas veces sufre su oficio y reclamó, tanto a la crítica como a los miembros de la industria, que recuerden que “una película empieza y termina por el guión”. Las imágenes que los acompañaron y que parecían provenir de épocas pretéritas –Lawrence de Arabia, La Strada, Intriga internacional, Amor sin barreras– daban toda la impresión de sugerir un secreto perdido, una extraña alquimia que la mayoría de los presentes en el Shrine Auditorium ya no sabía cómo conjurar. Peor aun, venían a confirmar esa máxima retrógrada e inaceptable, pero que cada año que pasa parece más cierta para Hollywood, como si allí ya no les afectara el hecho de que todo tiempo pasado fue mejor.

Declaraciones de algunas de las principales estrellas de la velada, a su término: “Me hacían señas para que terminara mi discurso, pero todos intentan callarme siempre y no resultó con mis padres: ¿por qué iba a resultar allí? Pero no puedo creer que me olvidé de agradecer a Erin Brockovich, es una vergüenza. Ella fue el centro de todo, así que la reconozco profusamente y con gran humildad. Soderbergh me infundió mucha confianza, nos enseñó a todos que se puede trabajar en una colaboración conjunta, en forma expeditiva y sin sentirse uno torturado por la situación. Me enseñó que también se puede disfrutar de este trabajo.” (Julia Roberts). “No pensé que ganaría yo, creía que quizá lo hiciera Javier Bardem, que realizó un trabajo fantástico. En realidad pensé que sería para Michael Douglas por Fin de semana de locos, pero no lo nominaron. Cuando anunciaron mi nombre no me pasó absolutamente nada por la cabeza. No tenía conexión con el mundo, ni siquiera sentía mis piernas. Cuando uno crece en los suburbios un sueño como éste parece ridículo, pero este momento se relaciona directamente con esas imágenes soñadas y eso me demuestra que hay que confiar en el propio coraje.” (Russell Crowe). “Creo que lucí sorprendido ahí arriba porque realmente lo estoy. No esperaba este premio, me llevará un tiempo procesarlo. Yo utilicé siempre la misma metodología, en mi primera película al igual que en la última. No creo que pudiera cambiar mi forma de trabajar. No distingo entre películas independientes y hollywoodenses, sólo diferencio las buenas de las malas.” (Steven Soderbergh). “Esta película tiene que ver con la música y con mi familia, y de alguna forma reunió a mi familia. Estoy feliz de tener hoy aquí conmigo a mi madre y mi hermana... y también quiero decir que tengo mucha simpatía por los guionistas que preparan la huelga, porque recuerdo haber sido uno de ellos y tener que luchar duro por mis derechos.” (Cameron Crowe). “No saben lo feliz que me hicieron. Acepto este honor en nombre de todos los guionistas que, desafortunadamente, suelen pasar desapercibidos, cuando una producción cinematográfica empieza y termina con un guión.” (Ernest Lehman). “Tuve mucha suerte en mi vida porque trabajé con los más grandes genios del cine. Tengo la esperanza de volver a ver nuevos talentos e ideas frescas. Por eso creo en los jóvenes, porque son el futuro.” (Dino de Laurentiis).

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