Por Diego Fischerman

El habano casi amenazante, recostado en su silla más que sentado, Jérôme Savary dispara: “Cuando hice Macbeth en el Colón me equivoqué”. En aquella puesta de 1998 de la ópera de Verdi, los protagonistas eran, simplemente, déspotas. Había, también, militares argentinos y Madres de Plaza de Mayo. Savary, como buen argentino radicado en Francia, las llama, admirativo, “las Locas de la Plaza”. Pero su error, cuenta este hombre de teatro que se define como “artista de izquierda” y que, entre otras cosas, hizo dibujitos en Tía Vicenta, colaboró con Copi, inventó el Magic Circus y dirigió la versión teatral de Cabaret con la que Ute Lemper conquistó la fama, fue no haberse dado cuenta a tiempo de que “las verdaderas Lady Macbeth estaban en la platea, con sus tapados de pieles y sus entradas carísimas”. La situación del régisseur es, según él, cómoda: “Nos pagan muchísimo, demasiado incluso. Nos llaman de teatros de todo el mundo y nos tratan como estrellas. Y uno está tentado como para no pelearse demasiado con esos que nos dan de comer. Pero yo trato de no condicionar mi trabajo a la sala donde va a ser hecho. Y, además, a esta altura de mi carrera, por suerte ya puedo decir que no cuando algo no me interesa”.
Savary se fue de Buenos Aires a los 8 años porque su madre no quería que saludara la bandera con la marcha peronista, volvió para hacer el servicio militar “por espíritu de aventura” y porque no quería dejar de ser argentino y luego se volvió a Europa. Su idioma sigue siendo “el porteño” aunque, como en el caso de muchos emigrados, es un porteño un poco antiguo y, desde ya, con marcado acento francés. Este sábado, a las 20.30, subirá a escena en el Colón su nueva puesta de Los Cuentos de Hoffmann, la genial ópera que Jacques Offenbach no llegó a completar. Tal vez con esta idea de no estar condicionado por la sala, quizá por un gusto personal y como un homenaje a su fundacional Magic Circus, su régie está pensada como teatro callejero. “Puede hacerse en el Colón, en una plaza, en la calle, en un palacio de deportes o en cualquier lado”. De hecho, en lugar de escenografía lo que hay en ella son innumerables artefactos, que entran permanentemente en escena. “El lugar está vacío y se llena de muñecas, de números de circo, de imágenes”, explica. “La magia está en cómo un espacio se transforma en cinco minutos, cómo empiezan a suceder cosas donde antes no había nada y donde en unos minutos volverá a no haber nada”.
Aunque no hay escenografía, en esta puesta de Los Cuentos de Hoffmann “hay infinidad de imágenes”, relata Savary. “Entre ellas hay un plano de agua en el proscenio, donde se refleja la gente”. Es que la obra, para él, es, más que nada, “una obra surrealista”. El inconsciente, dice, “apareció en el arte mucho antes de que la ciencia le diera nombre. Freud habla permanentemente de Shakespeare, lo cita cada dos páginas. Hoffmann, el escritor, y también Offenbach, son, incluso, dadaistas. Por ejemplo, cuando el Dr. Miracle empieza a cantar cosas árabes, llenas de melismas, el músico juega; juega permanentemente. Era un hombre bastante loco. En esta obra hay mucho de instintivo, de dejarse ir. Y a mí, como director, me gusta dejarme ir. A veces me dejo ir mal, a veces bien. Pero cuando tengo una idea me da placer sumergirme en una especie de locura irracional, que no tenga que ver con la ilustración en primer grado del texto”.
Sin embargo, a Savary le importa el respeto a lo que el compositor haya especificado. “No creo que sea cuestión de hacer cualquier cosa, pero sí de aprovechar los espacios de libertad que existen. En Don Giovanni, cuando Giovanni le da la mano al Comendador y muere, Mozart escriben `efectos diversos’. Ahí está el campo para que uno invente lo que quiera. Algunos piensan que las historias, como están escritas, son ingenuas, demasiado primitivas, y entonces escriben otra historia. A mí no me gusta hacer otra historia que la que fue escrita, aunque tampoco me gusta hacer la puesta en escena tal cual se ha hecho siempre”.
Uno de los problemas, para el director, es que, cuando se trabaja en puestas de ópera, “cuanto mejor es el cantante, menos tiempo se lo tienepara ensayar. A veces llegan tres días antes de la función y si uno ha hecho un gran trabajo escénico lo ha hecho con los covers y eso queda perdido. Lo que hay que hacer es manejarse con dos o tres ideas bien fuertes, bien sencillas y bien fáciles de aprender. Y trabajar más profundamente con los personajes secundarios. Pero hay que respetar a los cantantes, ellos son los que ponen la voz y los que mejor saben qué es lo que pueden hacer. Hay directores que se empeñan en forzarlos. Mejor es ver cuáles son sus potencialidades y trabajar en ese sentido. Escucharlos y ver qué traen como material. Porque también es cierto que un cantante que hace ese personaje casi permanentemente y va de un teatro a otro haciendo lo mismo, ya tiene una imagen formada del personaje, una manera de hacerlo, y es muy difícil modificarla. Así que mejor es aprovecharla. En cuanto a las supuestas irreverencias, creo que si se compara con las ideas que tenía, por ejemplo, Shikaneder, el libretista de La Flauta Mágica, los directores actuales somos mucho más conservadores que lo que creemos”.

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