Por Hilda Cabrera

Cuando en 1993 visitó por primera vez la Argentina, el grupo Ilotopie –fundado en 1983 por Bruno Schebelin en una isla del sur de Francia– asombró al público, mostrando a una pareja de novios y su cortejo que, precedidos por un carro repleto de utensilios caseros, avanzaba conformando una fantasmal procesión, totalmente pintada de blanco. Esperaban a los protagonistas cuatro inmensas jaulas, donde finalmente se introdujeron los actores (cinco en total, sólo que los novios ocupaban una). Encerrados y puestos en acción, unos y otros emprendieron la tarea de untarse con sustancias coloreadas que luego espumaban, conformando una masa inflable que se endurecía como una estalactita. Este material (espuma de poliuretano) acabó entrampando a esas figuras que actuaban escenas de la vida cotidiana. Ese trabajo, que mostró esculturas vivientes y creó embalajes (a modo de simbólicos ataúdes) para quienes viven presos de la rutina, se llamó La espuma enjaulada, espectáculo que Ilotopie llevó además en gira nacional. En este retorno (que no contempla una gira), la compañía trae a Buenos Aires Les menus plaisirs (expresión que en francés significa caprichos), cuyo tema central es el placer “desmedido”. Se lo podrá ver, y también participar de él, mañana y el sábado a las 21.30, y el domingo a las 20. El espectáculo, que tiene una duración aproximada de cuatro horas, se desarrollará en diferentes espacios del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930): en una de sus explanadas y en el Auditorio.
En una entrevista con Página/12, la actriz Françoise Léger, directora de Ilotopie (grupo que tiene su sede en Port Saint Louis), adelanta aspectos de este trabajo que recurre en parte al grand guignol y a elementos del happening de los años ‘60. Antes de la entrevista con Léger, el actor, autor y videasta Pierre Tardif despliega fotos de las performances de la troupe: las escenificaciones se realizan en espacios abiertos o no y los colores con que se pintan los actores y actrices no tienen significado especial. En principio, las secuencias son elaboradas a partir de investigaciones sobre la cultura urbana contemporánea. Es así que se refieren tanto a un burócrata que, sentado ante su escritorio, acciona teléfonos y otros elementos propios de gente muy ocupada, “pero que en esencia no hace nada”, como a una carrera de caracoles, de “sólo cuatro minutos”, o un happening, donde una actriz lleva encasquetada una peluca estilo Madame Pompadour hecha de crema chantilly, o bien otro en el cual una joven luce un vestido confeccionado con finas rebanadas de carne, que el público puede comer si lo desea.
En Les menus..., el elenco ironiza sobre los excesos y clichés de los franceses en materia culinaria y sexual y también en lo concerniente al psicoanálisis. Por ello, en el Auditorio se desarrollará una delirante conferencia sobre lacanismo. La invitación a participar implica esta vez llevar una cebolla. El porqué de este pedido al público se basa en un clásico culinario: la sopa de cebolla, plato con el que se agasajará a los asistentes. Integrado por artistas plásticos, actores, músicos, bailarines y técnicos, Ilotopie ha recorrido Europa y América intentando “trastornar” cada lugar en que se presenta. En esta obra participarán artistas locales y se espera que el público responda a la convocatoria del equipo, integrado entre otros por los franceses Pascal Wyrobnik, Lucille Boisonet, Nicolás Lecat, Judith Thiebaut, Jean-Marc Delaunoy y Claude Lecat.
–Sobre La espuma enjaulada se dijo que representaba la violencia de los materiales. En Les menus... la propuesta parece ser otra: buscar el disfrute. ¿Es así?
–En aquel espectáculo, los actores eran encerrados y quedaban rígidos, aunque algunos hacían guiños y ademanes, porque nos interesa el humor. En Les menus... nuestro deseo es ante todo el encuentro, primero entre nosotros y los artistas argentinos (actores, músicos, bailarines y escenógrafos) que completan el elenco, y después entre los artistas y la gente, y de ésta entre sí. Nuestra intención es que el espectáculo no se consuma en sí mismo sino que persista en quienes vinieron a vernos.
–¿Modifican la forma de trabajar según las características del país en que se encuentran?
–La propuesta original se mantiene, pero tenemos necesariamente que adaptarnos al lugar y al espacio con el que contamos para la escenografía. Las imágenes que buscamos desarrollar son las mismas. Lo que cambia, aunque no totalmente, es la música.
–¿Cuál es en esencia la propuesta?
–Armar pequeñas escenografías sobre diversas situaciones, separándolas unas de otras para que el público pueda circular entre ellas y encuentre él mismo su propio ritmo. Por eso, estos trabajos no salen a nuestro gusto cuando se forma una multitud, como nos sucedió con La espuma enjaulada en Córdoba. Son espectáculos para no más de mil personas.
–¿Los colores con que se pintan los protagonistas guardan alguna relación con los personajes que interpretan?
–No. La performance de colores que mostramos en la calle es diferente de los espectáculos. En esas performances el color lo elige cada actor, que toma el que más le gusta, aquel con el cual se siente mimetizado y le agrada usar habitualmente.
–¿Por qué piden llevar una cebolla?
–Porque entre los placeres está la comida, y vamos a convidar con sopa de cebolla, que es un plato rutinario de la cocina francesa. Los que vengan podrán cortar su cebolla. Para eso disponemos de dos mesas, una para aquellos a los que les hace llorar y otra para los que no les causa ese efecto.
–¿Qué significa Ilotopie?
–Es una mezcla de isla, porque la compañía fue creada en una isla del sur de Francia, en una zona semejante a un delta, frente al mar, y utopía, porque en cada espectáculo intentamos rescatar esa utopía de vivir todos mucho más unidos, de aceptar las diferencias y evitar las guerras.
–¿Ese es también el tema de los últimos trabajos de la compañía?
–Sí, porque en los dos que estamos preparando hablamos del encierro y del narcisismo, que es como decir de la soledad y el autismo.
–¿También allí piden la participación del público?
–A los que aceptan los encerramos de a tres, en pequeños lugares, pero son sólo dos minutos, que les parecen más a los que sufren de claustrofobia.

�El sistema es violento en sí�

Por Silvina Friera

El director de la compañía canadiense Les Deux Mondes (Los del Mundo), Daniel Meilleur, empezó a creer en el destino la semana pasada. Con 50 años recién cumplidos, decidió “regalarse” una semana de vacaciones en Caracas. Con unos amigos, estuvo en tránsito por el aeropuerto de Nueva York la noche anterior al atentado. “Por las demoras y el exceso de pasajeros nos habían ofrecido 500 dólares, el hotel y la comida para que nos quedáramos en Nueva York”, comenta. Aunque la propuesta era tentadora, decidieron continuar con el rumbo previsto. “Nuestros familiares nos llamaron por teléfono para saber si estábamos vivos. Prendimos la TV y se nos puso la piel de gallina”, recuerda en la entrevista con Página/12.
Meilleur nació en 1951 en una pequeña ciudad canadiense, Thetford Mines, conocida por sus minas de amianto. Cuando tenía 17 años sintió el cimbronazo de la llegada de una compañía teatral muy politizada. “Me cambió la vida –cuenta–. Tenía muchas preguntas y contradicciones sin resolver. Pensaba que era el único que sentía que la vida era angustiante y estúpida.” El grupo canadiense presenta desde ayer La historia de la oca (Tale of Teeka), del dramaturgo Michel Marc Bouchard, en el Teatro San Martín, a las 22, en el marco del III Festival Internacional de teatro.
Quizás para zanjar esas contradicciones que tanto lo inquietaban, dejó atrás el paisaje bucólico y previsible de las minas para lanzarse hacia el vértigo de la “gran ciudad” de Montreal. En 1973 fundó la compañía Les Deux Mondes. Junto a Monique Rioux y Michel Robidoux, estrenaron 18 producciones, entre las que se destacan Terre promise/terre promessa (basada en la guerra del Golfo Pérsico), Leitmotiv (inspirada en el conflicto bélico en los Balcanes y en algunas historias que le contaron los vietnamitas en viajes que hizo la compañía), entre otros montajes. La historia de la oca (1988) indaga en la violencia cotidiana que padece un niño y en la singular amistad que entabla con un ganso.
–Hay una preocupación constante de la compañía por el tema de la violencia. ¿Cómo la percibe ahora después del atentado a las Torres Gemelas?
–Nunca me sentí tan útil como artista porque me di cuenta de que esta obra se convirtió en algo real. La violencia es una realidad universal.
–¿Qué elementos inspiraron la creación de La historia...?
–Elegimos trabajar sobre la transmisión de la violencia porque cada uno de nosotros la experimentamos de diferentes formas. No sé cómo será en la Argentina, pero en Quebec, en Montreal, en general en Canadá había una suerte de “ley del silencio” respecto de lo que pasaba con los chicos dentro de sus hogares. Con esta obra buscamos romper la cadena de transmisión de la violencia de generación en generación.
–¿Cómo explica esa inquietud por la violencia en la sociedad canadiense, que aparenta ser más estable que en otros países?
–El sistema capitalista en el que vivimos, donde los fuertes aplastan a los débiles, es violento en sí mismo. Lo único que promueve es el individualismo exarcebado y crea violencia en todas partes: en las calles, en la casa, en las escuelas, en las oficinas. La violencia no depende de la riqueza o pobreza del país. En cierto modo, lo que sucedió en Nueva York es una respuesta contra este sistema.
–En anteriores puestas, como Leitmotiv, utilizaron tecnología multimedia, proyecciones y video. ¿Qué ventajas le brindan al teatro?
–El video significa una revolución en el teatro porque es una nueva forma de integrar “luces animadas” con la actuación. Una sola imagen genera un sensación de viaje en el espectador, posee un efecto tridimensional que acerca al público a las emociones. El video da una dimensión nueva, es barato y se puede utilizar para otros espectáculos.

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