Expresiones culturales como las que prometen el cineasta Andrés Di Tella y el multifacético artista Claudio Caldini arrinconan al cronista contra las cuerdas. Porque poco se sabe acerca de Hachazos, suerte de híbrido entre cine, teatro, literatura y música que mañana desde las 21.30 funcionará como presentación estelar del séptimo día del DocBsAs, en la Sala Lugones del Teatro San Martín (Corrientes 1530). “La idea es mezclar performances y proyecciones en varios formatos: fragmentos de las películas en 35 mm rescatadas por el padre de Claudio, Súper 8, video digital. Yo voy a exhibir imágenes de lo que estamos filmando actualmente. También habrá una proyección múltiple con cinco equipos controlados por él, lecturas y música en vivo”, adelanta el director de Fotografías. “Voy a usar los proyectores de Súper 8 como instrumentos musicales. Utilizo las pistas magnéticas que aún funcionan para mezclar sonidos en vivo, que además son grabaciones de música”, complementa su compañero. En plena era YouTube, Hachazos propone la recuperación de la identidad de las imágenes, su vinculación con los espectadores. “Necesitamos escapar de este océano de imágenes anónimas”, dispara Di Tella.

Luthier del séptimo arte y con más de 40 cortometrajes sobre el trajinada Súper 8, Caldini es uno de los máximos exponentes de la experimentación audiovisual nacional y del cine expandido, un movimiento surgido a comienzos de los ’70 por iniciativa de Marta Minujín (ver aparte). Este dispositivo se caracteriza por la combinación de diversos elementos sonoros y visuales para lograr “una experiencia de inmersión sensorial donde cada proyección es distinta, con una organización y configuración diferentes”, según explica el inclasificable artista, quien conoce a Di Tella desde que éste vestía guardapolvo. “Mi mamá era amiga de Minujín. Ella sabía que me gustaba el cine y me dijo que la ayudara en una película. Era una performance que ella hacía, una especie de autoentierro donde yo le tiraba tierra y otras cosas mientras ella supuestamente tomaba sol. El camarógrafo era Claudio”, rememora el mandamás de las dos ediciones bautismales del Bafici: “Me lo reencontré hace algunos años cuando participé en su grupo de estudios. Después seguí charlando con él y escribí una especie de ensayo biográfico sobre él y sus películas”, asegura.

Ese texto ya culminado, pero aún inédito, y la presentación de mañana están hermanados por el título: Hachazos. Resulta inevitable vincular ese nombre con la obra y la alimentación que sació el apetito de Caldini durante los primeros años de cinefilia. “Cuando las películas salían de circulación las vendían a las pinturerías para reciclarlas, pero antes las cortaban con un hacha para que no volvieran a proyectarse. Mi padre y mi padrino volvían a empalmarlas y las restauraban. Toda mi infancia vi esas películas en un proyector de 35 mm instalado en el taller de mi padrino”, recuerda. “Este espectáculo es una colaboración entre los dos. Incluye elementos del tipo de performance que hace Claudio y a la vez algo nuevo que ninguno de los dos hizo y que no sabemos cómo va a salir. Durante los ensayos decíamos que lo único que sí sabemos es que cuando lo hayamos hecho, vamos a saber cómo tendría que haber sido”, confiesa Di Tella.

–¿Se trata ya no de ver cine, sino de sentirlo?

Claudio Caldini: –La idea es utilizar los elementos electrónicos y mecánicos primitivos para generar vivencias integrantes. No sólo la proyección con comienzo y final. En este caso será en una sala tradicional como la Lugones, pero el cine expandido generalmente sale del ámbito de la sala cinematográfica.

Andrés Di Tella: –Hoy en día uno ve el Súper 8 y parte de la magia es el ruido del proyector. Eso ya mete al espectador en una atmósfera especial.

C. C.: –Es el ilusionismo de la historia del cine. El proyector estaba visible hasta que se lo ocultó para buscar una mejor imagen.

A. D. T.: –La idea es tomar eso para darle una mayor expansión. Hay teatro, grabaciones y distintos elementos que vamos a desplegar en escena. Por eso es muy difícil de describir. Claudio habló también de “documental en vivo”, porque se trata de una especie de autobiografía en escena.

–Andrés, ¿por qué definió a la experiencia de ver el material de Claudio como una “experiencia religiosa”?

A. D. T.: –No una experiencia religiosa, sino más bien una ceremonia. Me parece que hay una concentración extrema, él entra como en trance. Es una experiencia muy poderosa. No sólo las imágenes y los sonidos, sino el hecho de que lo está proyectando en ese momento. Son las cintas originales, que no tienen copias, filmadas hace 30 años, que a veces se rompen y hay que pegarlas en el momento. Todo eso genera que todo el mundo esté pendiente. Por eso es cine en vivo, el público vive otra emoción.

–Claudio, ¿qué ve usted en el ocho milímetros para seguir utilizándolo?

C. C.: –El ocho milímetros es el cinematógrafo Lumière miniaturizado. Es el cine en su mecánica, la síntesis de la originalidad del cinematógrafo llevada al ámbito de lo íntimo. Por otro lado es una herramienta ideal para el que quiera hacer un uso más creativo, porque se puede operar sin la necesidad de otra persona. Además me gusta mucho la acción espontánea captada directamente en la cámara, hacer el montaje ahí. Y todavía hablo del cine. A veces podemos sustituirlo por el video, pero la experiencia perceptiva es diferente. Nada va a reemplazar al obturador y a la intermitencia de la imagen cinematográfica.

–¿Se puede seguir haciendo ese tipo de cine hoy en día?

C. C.: –Justamente hay una especie de resurgimiento mundial del Súper 8 a partir de los últimos diez años. Había desaparecido casi por completo a mediados de los ’80, pero a partir del centenario del cinematógrafo, y sobre todo de los últimos años, creció notablemente.

A. D. T.: –La diferencia entre lo que hace Claudio y lo que hace todo el mundo es que en general se usa como formato de registro y luego se vuelca a otro digital para proyectarlo. Es más: no es fácil conseguir los proyectores. Quizá para él sea diferente, pero yo desde afuera creo que es como un gesto de resistencia, de anacronismo deliberado que tiene su propia poesía y su elocuencia. Por eso van a estar los proyectores bien a la vista del público y él adelante trabajando. Para mí eso es parte de lo emocionante del hecho, de la poesía de la situación.

C. C.: –Para mí no tiene absolutamente nada de nostálgico. Me parece que es un instrumento para generar una estética contemporánea. A veces se habla de la textura símil familiar que tiene, pero no es mi caso. No es casual que todo el movimiento de cine experimental argentino fue hecho en Súper 8. Hubo poco y nada en 16 mm u otros formatos.

–Usted habla de imagen contemporánea, pero hay una contradicción al hablar de contemporáneo y Súper 8 cuando existen formatos mucho más actuales.

C. C.: –Hablo no tanto de imagen, sino de estética. La capacidad de percepción de la imagen y el sonido ha cambiado mucho en los últimos veinte años. Se ha generado una nueva estética a partir de la manipulación de instrumentos electrónicos. La imagen fílmica monocanal parece que ya no es contemporánea. Pero sí lo es una estética donde se combinan imágenes y sonidos manipulados electrónicamente. Los proyectores Súper 8 son instrumentos electrónicos primitivos.

–¿Y no teme que su obra se valore como fenómeno y no como manifestación artística?

C. C.: –La operación es parte de la obra. Hay una teatralidad mecánica que incluye al operador. Lo digital a veces nos hace imaginar que no hay nadie detrás porque el cerebro electrónico funciona solo, y no es así. Me gusta integrar el cuerpo a la acción y que el proyectorista esté presente en la sala.

A. D. T.: –En ese sentido es donde noto cierta resistencia. Yo no hago regularmente Súper 8, pero igual trato de dejar huellas humanas en las imágenes digitales que filmo, que se note que alguien está haciendo la película. Me parece que se relaciona con una resistencia a las imágenes anónimas. Hoy en día estamos sumergidos en una marea de material sin autor. Creo que son dos formas distintas, pero en algún sentido complementarias, porque la presencia del realizador está en la imagen, en la cámara en mano, en el temblor. Todo enfatizado con los proyectores y el operador a la vista como parte integral de quien filmó esas imágenes.

–¿Se refieren a personalizarlas?

A. D. T.: –Sí. Hay una frase que me gusta mucho del psicoanalista inglés Adam Phillips. El dice que el trauma es una experiencia que no podemos asimilar ni intelectual ni emocionalmente. Creo que en este momento estamos traumatizados por la proliferación de imágenes anónimas en Internet, televisión, todo. Me parece que para salir de eso es necesario reconectar al espectador, que sienta que hay alguien produciendo eso y que puede entrar en diálogo. Es una resistencia a esas imágenes traumáticas.

C. C.: –Se trata también de recuperar el carácter reflexivo de las imágenes. Si hay una mirada que se dirigió a determinado punto es porque ha producido una reflexión en quien la tomó. Tomar imágenes es algo más que un acto utilitario.