En el marco del ciclo “¿Por qué pintura?” que organiza el Fondo Nacional de las Artes, se presenta una muestra de cinco artistas, Valentina Liernur, Adriana Minoliti, Ana Montecucco, Juan Montes de Oca y Pablo Rosales, curada por la artista Leila Tschopp.

El ciclo, desde su mismo título, buscaría interrogar y justificar la pintura y allí comienza una indagación que, según la contestación tentativa de la curadora de la exposición, “quizá preguntar ‘por qué’ fue el impulso primero para reflexionar sobre la pintura en la contemporaneidad y concluir que continúa siendo una práctica posible; un lenguaje que, en su intento de conocer, ensaya respuestas diversas”.

Según esta idea, la pintura se toma como campo de conocimiento, como práctica y como lenguaje, y supone aspectos de sentido, aspectos materiales y desarrollos específicos a través de distintos caminos.

Y desde allí la curadora partió para la selección de los artistas y sus obras, hacia un campo ampliado de la pintura que cuestiona sus límites, que desborda la superficie y sale al espacio. La pintura, en esta muestra, toma cuerpo.

“Si ya no intentamos una respuesta a la pregunta fundacional –dice la curadora–, podemos movernos, ir hacia atrás y preguntar: ¿de qué hablamos cuando hablamos de pintura? Ensayamos, entonces, algunos corrimientos. Por un lado, con respecto al foco de atención en la pintura (del objeto hacia el contexto, por decirlo de una manera, aunque no exacta), proponiendo obras que se abren al espacio y buscan, en la relación con la sala, en la manera de mostrar(se), su definición.”

Pablo Rosales (Buenos Aires, 1977) presenta dos obras en donde la pintura se expande y multiplica con humor y reflexión. Por un lado, muestra un políptico irregular que funciona como una cita de los géneros pictóricos. Por otro, exhibe una obra en el que bastidores, telas, un caligrama/manifiesto y una lamparita se explayan en tres dimensiones, construyendo una extraña estructura que funciona como interrogación sobre el arte, la pintura y el contexto.

Rosales –con varias muestras individuales y colectivas en su haber, locales e internacionales– estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, realizó residencias en La Habana, Cuba. Participó del premio arteBA Petrobras 2009 y obtuvo el Primer Premio Site Specific Hotel Panamericano Bariloche.

“Hay porqués de la pintura –escribe Rosales– que no son agradables, debo decirlo: la debilidad, el egotismo, la vanidad, el descontento de sí mismo, la timidez, también impulsan a realizar pinturas.”

“Una respuesta auto-mítico-biográfica podría buscarse en mi adhesión temprana al surrealismo, a la edad de nueve años, un singular sentido histórico alentaba aquellas primarias obras, inspiradas justamente en el carácter retrospectivo de una importante exposición de Salvador Dalí en Buenos Aires. Mi simpatía por las vanguardias, las transas, los neos y post, mi desconfianza de la genialidad, una extraña humildad, también me llevan a pintar.”

Juan Montes de Oca (Buenos Aires, 1967) exhibe una veintena de pequeños collages, divididos en dos series: “Escenas de la fundación mítica de Buenos Aires” y “El mapa no es el territorio”. Las escenas disparatadas de sus collages, que arrastran y transforman la fuente gráfica y publicitaria que les dio origen, proponen delirantes pastiches culturales, anacronismos y combinaciones de una heterogeneidad que revela sentido de la composición y humor, por partes iguales.

Montes de Oca estudió en los talleres de Roberto Parini, Jorge Pirozzi y Miguel Rep; es egresado de la carrera de Ciencias de la Comunicación y expone regularmente su trabajo desde 1993. Participó en muestras individuales y colectivas locales, también en Perú y Uruguay.

“Los elementos del collage –dice el artista– son el papel, la tijera y el pegamento. Parece fácil... se parte de imágenes estandarizadas, se recorta libremente eligiendo criterios aleatorios: fragmentar y superponer. El ojo se convierte en un afilado cuchillo que secciona una realidad creando otra nueva, una realidad corrida de su eje. El objeto recortado de su universo permanece indefenso fuera de su mundo, se torna inestable. Hay una tensión entre el fragmento desnudo y el vacío que dejó en el original. Cada fragmento esconde el todo.”

Valentina Liernur (Buenos Aires, 1978) presenta dos pinturas que tienden a la monocromía, de la serie “Fiebre”, colocadas sobre el piso, yuxtapuestas, pintadas con acrílico, aerosol y óleo sobre tela. Allí, la artista combina un alto grado de formalización y geometrización del espacio pictórico (barras verticales y rítmicas, alternativamente oscuras y claras, brillantes y opacas), con manchas indeterminadas, al modo de una contradicción que busca ser resuelta. Así apoyadas, directamente sobre el piso, las obras toman cuerpo y funcionan con precisión (desde la imagen y el montaje), siguiendo el sentido de la muestra.

Liernur obtuvo la beca Antorchas, la beca Rojas/Kuitca del Programa para Artistas Visuales de la Universidad de Buenos Aires y la beca María Marta Sánchez Elía de Núñez. Participa regularmente de exposiciones individuales y colectivas, locales e internacionales.

Liernur adicionalmente hace de su texto para el catálogo otra obra de la muestra, porque transcribe una nota reciente de la edición británica de la revista Vogue, en una versión al castellano hecha de manera automática por el traductor de Google. El texto resulta desopilante y ofrece una extrañeza especial porque mina la morfología y la sintaxis como resultado de lo cual el sentido queda completamente afectado hasta transformarse por momentos en un objeto perdido.

Adriana Minoliti (Buenos Aires, 1980) exhibe una serie de sintéticos maniquíes que podrían pensarse como evocaciones poéticas de maniquíes, en las que se rescata la verticalidad como condición, y una cita del género de la naturaleza muerta, con la inclusión de ciertos objetos sobre los que coloca frutas pintadas.

Otra breve serie de Minoliti está conformada por las pinturas Pibe y Roja, que se colocan en la tradición geométrica, con algún toque constructivista, con humor y libertad.

Minoliti realizó el profesorado de pintura en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas. Trabaja en colaboración con otros artistas en proyectos como artechacra.com, KDA y participa del grupo de talleres Portela 164, gestionando muestras y colaborando con nuevos espacios y difusión del arte latinoamericano. Participó de varias muestras colectivas. Recibió dos veces el subsidio del Fondo Metropolitano de las Artes y una beca de intercambio entre la Secretaría de Cultura de la Argentina y el Fonca Conaculta de México.

“La desnaturalización del cuerpo –escribe la artista– en clasificación médica, traumas psicológicos, imposiciones religiosas, mitos, estatutos y otros tantos en la concepción del lenguaje, conlleva a mentiras sistemáticas de inversión del sujeto en un producto, en una construcción tan abstracta y artificial que se asemeja más a un cuadro geométrico que a una planta o vida orgánica. Y lo peor de todo es que estas convenciones reformatorias se devuelven al círculo como naturales.”

Finalmente, Ana Montecucco (Buenos Aires, 1983) muestra un conjunto de obras en cartón (cuadros y objetos) que cita la historia del arte (las estampas de Hokusai) o los géneros tradicionales, con unas delicadísimas y complejas obras de cartón –lámpara colgante, banco, tijera, mesita, sifón, cocodrilo, casa–, que combina al modo de una naturaleza muerta.

Montecucco estudió en el IUNA y asistió a talleres, seminarios y clínicas de arte. Participó de varias muestras colectivas y en 2010 presentó su primera muestra individual.

* En el Fondo Nacional de las Artes, Alsina 673, hasta el 11 de abril.