En el comienzo la banalidad, como una corteza que soporta la ironía, ese maltrato pequeño, casi invisible, que recubre la amistad, la familiaridad en sus bordes machucados. Una conversación entre tres parejas puede ser el momento en el que la herida se agranda hasta convertirse en un pozo, en la boca de algún monstruo y la caída, ese viaje por la garganta de una criatura enorme, puede durar años.

Son mujeres y hombres de la ciudad, vidas apetecibles pero siempre insatisfechas porque la fotógrafa todavía ama a su ex marido que está allí, sentadito en el bosque con su nueva mujer modelo. Y el artista plástico le mintió a su novio cuando le dijo que su madre todavía estaba viva. Estos personajes urbanos juegan a pasar un día en el bosque, a ser naturales y aventurerxs. En esa tertulia que no es mansa, que tiene algo de burla y de codicia hambrienta, el fuego ingresa como el elemento de lo prohibido, la regla que se rompe para que esa normalidad encuentre una interrupción a partir de un efecto desbordante, de un contrincante que los vuelca a la animalidad.

El bosque se manifiesta como un personaje, arde, estalla, los cubre. La propuesta escenográfica no acompaña desde lo literal. Con inteligencia, Magalí Acha se inclina a una imagen abstracta. Estructuras con formas geométricas, que se convierten en cavidades, en espacios indefinidos y mutantes, actúan en un contrapunto indispensable con un texto que se encarga de contar el incendio.

La dramaturgia de Anja Hilling se corta. Abandona los diálogos para discurrir en una narración desgajada en cada personaje. Los movimientos de lxs actores/actrices son una danza que podría integrarse a otra historia. La puesta de Carla Llopis acepta ese mecanismo de piezas disociadas. Si la autora busca ir hacia lo salvaje, quiere demoler lo humano, el acto se ejecuta desde la racionalidad, la artillería detona en la articulación de mundos ajenos.

La palabra es la que hace presente, desde una interioridad más literaria que dramática, los colores de las llamas, la piel carbonizada, la muerte. De este modo la comprensión que la/el espectador/a realiza del suceso es más intelectual que sensible, aunque los parlamentos sufren fracturas que obligan a lxs actrices/actores a volver a involucrarse con la escena. El relato deviene en monólogo, esto exige desde lo actoral distintos registros que puedan unir la distancia, lo inabarcable de un hecho que en imágenes sería de una asimilación más palpable, con la reacción frente a lo inmediato de la catástrofe.

La autora alemana usa la letra para componer la espesura del bosque. El texto se oscurece porque la odisea es interna, hablan de un modo cada vez más complejo, menos realista, mientras el cuerpo es animal. Lo salvaje tiene algo de metafísico. La naturaleza reacciona como un dios que se arrebata al escucharlos, que entiende sus conflictos como catástrofes encendidas.

La normalidad los escupe. Como personajes quedan debilitadxs frente a la inminencia del fuego. Hilling vacía lo humano, lo empequeñece y hace de la naturaleza la gran voz que narra. Es allí donde el texto demanda a lxs actores /actrices que sean capturadxs por otra dimensión, que descubran en esos quiebres entre la brutalidad de esa marea que degüella árboles y ramas y ese tono distanciado y reflexivo, una teatralidad.

Llopis se decide por una dirección más neutra, por un tono monocorde que puede explicarse por el impacto literario del texto pero que resulta insuficiente y pide reforzar la tensión entre los distintos planos narrativos que la dramaturgia propone.

Negro Animal Tristeza de Anja Hilling, dirigida por Carla Llopis, con las actuaciones de Yanina Martino, Jorgelina Pérez, Carlos Donigian, Esteban Lamarque, Pablo Martínez y Javier Torres Dowdall, se presenta los viernes a las 20:30 en El Kafka Espacio Teatral.