Ya era un secreto a voces, pero en enero se confirmó que una gran sala del Metropolitan Museum de Nueva York comenzaría a llamarse Anna Wintour. Sí, un tributo a la gran dama de la moda norteamericana, editora de Vogue, que fuera parodiada en el film The Devil Wears Prada y luego redimida en el fabuloso documental “September Issue”. Luego de una privada para la prensa especializada, se oficializó el anuncio de la muestra Charles James: Beyond Fashion, que inaugurará en mayo en las remozadas salas del Met (ahora apodada Anna Wintour Costume Center) y que remite a un personaje poco conocido por las nuevas generaciones; se trata del diseñador de alta costura Charles James y una recopilación de 75 prendas de su creación.

Su biopic indica que nació en Inglaterra en 1906 y que murió en 1978, autodidacta de la alta costura, comenzó haciendo sombreros. Calificado como “escultor de la moda” por su énfasis en las formas del cuerpo (una versión indica que celebraba las caderas femeninas y las asociaba con la fertilidad), sus aportes a la moda del siglo XX tomaron forma desde una casa de modas en Nueva York. Desde 1940 James vistió a las damas de la alta sociedad y la burguesía con trajes de noche que en ocasiones supieron combinar hasta cuatro texturas diversas e igual cantidad de colores (vestidos en rojo, berenjena, marrón con negro, provistos de exquisitos drapeados y del uso y abuso de satenes y terciopelos). Otra singularidad en su método fue el lapso que dedicaba a cada prenda –en ocasiones le llevaba meses y hasta años desarrollarlas–. Entre sus clientas figuran la esposa de Randolph Hearst, el magnate del periodismo que retrató el film El ciudadano, la millonaria Millicent Rogers (quien circa 1948 ya organizó una retrospectiva de su modisto favorito en el Museo de Brooklyn, y donde el disparador fueron todos los trajes que le realizó durante una década).

Su inserción en el fashion business tuvo matices poco afortunados, luego de un juicio en tribunales con un fabricante de camisas, James perdió, además de mucho dinero, todo contacto con la realidad, cerró su salón y se dedicó a catalogar sus moldes y sus diseños. Pasó sus últimos años radicado en el Chelsea Hotel, y allí se encontraron bocetos de prendas que nunca se realizaron. En tiempos en que nuevos ardides de las firmas de moda para comunicar sus vestimentas desafían la inmediatez de la pasarela y, en cambio, revisitan el pasado, trasladan los maniquíes, los originales y los bocetos de la privacidad de los ateliers de diseño al contexto de los principales museos de Nueva York, París y Londres con anclaje en la historia de la moda, el nuevo protocolo para tales modismos indica exaltar los archivos, contratar a curadores y expertos en historia de la vestimenta, la realización de cortos experimentales y la edición de libros –catálogos celebratorios de unas y otras acciones–.

La muestra sucederá a Punk, from Chaos to Couture, la gran exhibición de la temporada 2013 del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, y que según los preceptos curatoriales de Andrew Bolton trazó un recorrido por postulados del do it yourself, afín a los preceptos del punk y la diversidad de estilos que vistieron maniquíes peinados con disparatados postizos de colores. Si bien el Met ya hizo desfilar representaciones de Superhéroes (¿hay algo más norteamericano que ellos?), el boom de la moda en los museos puede adjudicarse a Savage Beauty, la retrospectiva de los estilos avant garde y góticos del diseñador inglés Alexander Mc Queen, celebrada en 2011. Diecisiete mil personas pagaron los 50 dólares que costó el ticket de ingreso, de ahí que el museo extendió la duración de la muestra y modificó sus horarios: en Nueva York durante el verano 2011 fue moneda corriente ver largas colas de gente aguardando para ingresar al museo por la noche, cual si se tratase de un show de rock.